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miércoles, 3 de diciembre de 2025

La historia real de Ed Sheeran que sigue inspirando al mundo

 ¿Alguna vez escuchaste una canción que te emocionó sin saber realmente quién estaba detrás? Lo increíble es que, muchas veces, los artistas que hoy llenan estadios empezaron desde lugares que nadie imaginaría. Y uno de los mejores ejemplos es Ed Sheeran, cuya historia es tan cruda como inspiradora. Lo que vivió antes de los premios, las giras y los gritos del público es algo que todavía sorprende a quienes descubren su camino.

Su frase lo resume todo:

“Dormí en estaciones de tren con mi guitarra, soñando con llenar estadios.”

Pero, ¿cómo llega un chico tímido, tartamudo y lleno de inseguridades a convertirse en uno de los cantautores más influyentes del siglo?

La historia real de Ed Sheeran que sigue inspirando al mundo

Una infancia difícil que encontró refugio en la música

Ed Sheeran no tuvo una infancia sencilla. Sufrió burlas por su cabello pelirrojo, por su forma de hablar y por su manera de ser. Era un niño distinto, y la escuela puede ser un lugar cruel cuando uno no encaja.

La tartamudez como punto de partida

Cada palabra era una batalla. Tartamudeaba y se sentía observado, expuesto, vulnerable. Pero en medio de esa lucha descubrió un escape: la música.

En su habitación, con su guitarra gastada y un cuaderno lleno de letras, se sentía libre por primera vez. Allí nadie se reía. Allí podía ser él mismo.

Mientras otros salían a jugar o a divertirse, él pasaba horas ensayando, intentando que su voz y sus canciones se parecieran a la sensación de libertad que tenía al escribir.

Londres: la ciudad donde empezó todo… y casi lo pierde todo

Mudarse a Londres para “ser músico” parecía una idea romántica, pero la realidad lo golpeó fuerte y rápido.

Dormir donde se pudiera

Sin dinero, sin contactos y sin un lugar fijo para quedarse, Ed durmió en sofás de amigos, en casas prestadas y, demasiadas veces, en estaciones de tren como Liverpool Street.

Frío, ruido, inseguridad… pero también una guitarra abrazada con fuerza y un sueño que no lo dejaba rendirse.

Tocar para nadie

Cantaba en bares donde el público seguía hablando como si no existiera. Tocaba en esquinas donde el viento helado le partía los dedos, pero él insistía.

Cada acorde era un recordatorio: “No te detengas.”

Rechazos, demos ignorados y la oportunidad que lo cambió todo

Durante años, Ed envió demos a disqueras, productores y managers. La mayoría ni siquiera respondió. Otros rechazaron sin explicar por qué.

El rechazo como parte del proceso

Muchos artistas se rinden aquí. Pero Ed tenía algo que había aprendido desde niño: la persistencia.

Si podía enfrentarse a la burla diaria y aun así seguir hablando, también podía enfrentarse al silencio de la industria musical.

El día que alguien creyó en él

Finalmente, una persona vio lo que nadie más había visto. Le dio una oportunidad, lo escuchó, apostó por él.

Y de esa chispa nació “The A Team”, la canción que empezó a abrirle las puertas del mundo.

Del anonimato a la fama global: el ascenso que nadie predijo

La historia que siguió es conocida: conciertos, colaboraciones, giras mundiales, premios y miles de voces cantando sus letras.

Ironía del destino

Muchos de los que lo ignoraron al principio, hoy hacen fila para trabajar con él.

Pero Ed no olvida su origen, no por resentimiento, sino por gratitud hacia ese joven que soportó noches heladas sin rendirse.

El chico de Liverpool Street sigue ahí

A pesar de la fama, de los millones de reproducciones y de los escenarios repletos, Ed Sheeran siempre recuerda al chico que dormía en estaciones de tren.

Ese joven que escribía con las manos congeladas.

Ese joven que cantaba aunque nadie aplaudiera.

Ese joven que siguió creyendo incluso cuando todo parecía indicar que no debía hacerlo.

Porque sin él, sin su terquedad, sin su resistencia, nada habría pasado.

La enseñanza que deja su historia

La frase con la que suele cerrar sus entrevistas es simple, pero poderosa:

“Si tienes un sueño, no lo entierres por miedo.

A veces, lo único que necesitas es seguir, aunque nadie te aplauda todavía.”

Su mensaje atraviesa generaciones. No habla solo de música: habla de la vida. Del valor de insistir cuando los demás dudan. De apostar por uno mismo aun cuando el mundo parezca sordo.

sábado, 7 de junio de 2025

Gustavo Cerati: El Mejor Cantante de Rock en Español Según Billboard

Gustavo Cerati, el legendario líder de Soda Stereo, ha sido oficialmente consagrado como el mejor cantante de rock en español de todos los tiempos, según la prestigiosa revista Billboard. En su listado “The 50 Greatest Rock Lead Singers of All Time”, Cerati fue ubicado en el puesto 33, superando a íconos globales como Paul McCartney (39), Chester Bennington (34) y Gwen Stefani (37).

Este reconocimiento no solo honra su innegable talento vocal, sino también su aporte artístico, su maestría en la guitarra y su capacidad para emocionar a generaciones enteras.

Gustavo Cerati fue elegido como El Mejor Cantante de Rock en Español

¿Por qué Gustavo Cerati fue elegido como El Mejor Cantante de Rock en Español?

La elección de Billboard no fue arbitraria. El medio explicó que tuvo en cuenta diversos factores para confeccionar su lista:

  • Impacto en el género del rock
  • Virtuosismo instrumental
  • Liderazgo escénico
  • Influencia cultural y legado artístico

Cerati cumplía con cada uno de estos criterios con creces. Fue definido como un “virtuoso de la guitarra”, un artista capaz de tocar sin esfuerzo y de conmover con sus letras profundas y evocadoras. Su lírica introspectiva y su capacidad para fusionar rock, pop, electrónica y psicodelia marcaron una época y siguen inspirando a nuevas generaciones.

Cerati por encima de leyendas globales 

No deja de llamar la atención que Cerati haya sido ubicado por encima de grandes figuras internacionales como:

  • Paul McCartney (The Beatles), ícono absoluto del rock británico,
  • Chester Bennington (Linkin Park), voz desgarradora del nu-metal,
  • Gwen Stefani (No Doubt), referente del ska punk y el pop-rock californiano.

Este posicionamiento demuestra que el talento hispanoamericano también puede competir en las grandes ligas del rock mundial.

Rubén Albarrán también aparece en la lista 

Además de Cerati, otro latinoamericano tuvo el honor de figurar en el ranking de Billboard: Rubén Albarrán, vocalista de Café Tacvba, quien fue ubicado en el puesto 49. Esto refleja una apertura cada vez mayor del mercado global hacia el rock cantado en español, valorando la creatividad, el contenido y la interpretación por encima del idioma.

El legado de Gustavo Cerati en la música 

Desde su formación en Soda Stereo en los años 80 hasta su carrera solista iniciada en los 90, Gustavo Cerati fue mucho más que un cantante:

Fue un visionario sonoro, un poeta moderno, y un experimento constante. Su legado puede resumirse en cuatro dimensiones:

1. La voz del rock en español

Cerati no solo tenía una voz afinada y versátil, sino también una capacidad emocional única. Su manera de cantar combinaba melancolía y sofisticación, fuerza y suavidad. Desde canciones como “Cuando pase el temblor”, pasando por “Prófugos”, hasta su etapa solista con joyas como “Crimen” o “Cactus”, su voz se convirtió en una firma inconfundible del rock latinoamericano.

2. Un guitarrista fuera de serie

Aunque muchas veces se lo recuerda solo por su voz, Cerati fue también un guitarrista exquisito. Su estilo era elegante, preciso, y profundamente expresivo. Dominaba tanto los riffs enérgicos como los arpegios atmosféricos. En canciones como “Té para tres” o “Puente”, su guitarra no solo acompaña: habla.

3. Letras que invitan a la introspección

Pocos artistas lograron que sus letras calaran tan hondo como Cerati. Su lírica está plagada de metáforas, símbolos, ambigüedad poética y referencias filosóficas. No escribía canciones, escribía paisajes emocionales. Frases como “poder decir adiós es crecer” o “me verás volver” ya son parte del inconsciente colectivo de todo un continente.

4. Una influencia que trasciende generaciones

A más de una década de su partida física, Cerati sigue estando presente. Su obra no envejece, se resignifica. Nuevas bandas lo versionan, los jóvenes lo descubren en Spotify, y sus letras se comparten como mantras en redes sociales. Su influencia se extiende desde Argentina hasta México, desde Chile hasta España.

Billboard y el reconocimiento a los cantantes en español

La inclusión de Cerati y Albarrán en una lista global de Billboard es también un logro cultural para toda la región hispanoamericana. Históricamente, el rock en español ha sido subestimado por los grandes medios anglosajones. Este tipo de reconocimientos ayudan a visibilizar talentos que, aunque ya venerados en sus países, merecen también el aplauso internacional.

¿Qué dice esta lista sobre el futuro del rock latino?

Este tipo de gestos no solo homenajean a figuras como Cerati: también abren camino. Demuestran que el rock latino tiene identidad, diversidad y potencia. Y que hay público para él en todo el mundo.

Que artistas como Babasónicos, Zoé, Love of Lesbian, El Mató a un Policía Motorizado o Natalie Pérez, por mencionar algunos contemporáneos, pueden seguir explorando sin complejos ni traducciones.

El poder eterno de Cerati: más allá de los rankings.

Aunque las listas son simbólicas, sirven para recordar algo esencial:

Gustavo Cerati no necesita rankings para ser eterno.

Lo suyo va más allá de lo cuantificable. Es parte del ADN emocional de millones de personas. Su música acompaña rupturas, despertares, viajes, introspecciones, celebraciones, duelos.

Y sigue latiendo.

Frases inmortales de Cerati 

Para cerrar este homenaje, dejamos algunas de sus frases que, con o sin música, siguen resonando:

“Gracias... totales” (El último show de Soda Stereo)

“Tarda en llegar, y al final hay recompensa” (Lago en el cielo)

“Nadie me dijo que en el camino se iba a nublar” (Crimen)

“Poder decir adiós es crecer” (Adiós)

“Lo que seduce nunca suele estar donde se piensa” (Cosas Imposibles)

Conclusión:

El reconocimiento de Billboard a Gustavo Cerati como el mejor cantante de rock en español de todos los tiempos no hace más que confirmar lo que sus fans ya sabían: que fue, es y será una de las voces más poderosas, sensibles y revolucionarias de la música latinoamericana. Su arte trasciende idiomas, listas y géneros. Cerati no solo fue el líder de una banda: fue y es el líder de un sentimiento. Si te gustó este post, no te pierdas el último show de Cerati completo.

martes, 20 de mayo de 2025

Israel Kamakawiwo'ole: El Gigante Gentil de Hawái y su inolvidable versión de “Over the Rainbow”

¿Cómo puede una sola voz cambiar la historia musical de un lugar? ¿Cómo puede una canción convertirse en el símbolo de todo un pueblo?

El 20 de mayo de 1959 nacía en la isla de Oahu, Hawái, un artista que no solo marcaría la música de su tierra natal, sino que dejaría una huella imborrable en el corazón del mundo: Israel Kamakawiwo'ole, conocido cariñosamente como IZ o “el Gigante Gentil”.

Su historia, su música y su mensaje siguen más vivos que nunca.

Israel Kamakawiwo'ole

Un Niño Hawaiano con un Ukelele y un Sueño

Criado en el barrio de Kaimuki, rodeado por la naturaleza y la espiritualidad de la cultura hawaiana, Israel creció en un ambiente donde la música era una extensión del alma. A los 11 años ya tocaba la guitarra y el ukelele, inspirado por íconos locales como Peter Moon y Don Ho.

Junto a su hermano Skippy y otros jóvenes apasionados, formó The Makaha Sons of Niʻihau, un grupo que revitalizó la música tradicional hawaiana con un estilo moderno, cautivando al público local durante más de una década.

La Tragedia que Transformó su Voz

En 1982, la muerte de su hermano marcó un antes y un después. A partir de entonces, la música de Israel adquirió una profundidad emocional aún más intensa. Sus letras hablaban de paz, de amor familiar, de la belleza de Hawái y de la necesidad de preservar su cultura frente al olvido.

En 1990, comenzó su carrera como solista con el álbum Kaʻanoʻi. Pero sería su segundo disco, Facing Future (1993), el que lo catapultaría a la inmortalidad.

“Somewhere Over the Rainbow”: La Canción que Le Dio la Vuelta al Mundo

Con apenas un ukelele y su voz suave y poderosa, Israel creó una versión inolvidable de dos clásicos: “Somewhere Over the Rainbow” y “What a Wonderful World”. La grabación, sencilla y cargada de emoción, se volvió un fenómeno global.

Esa canción ha acompañado a millones en momentos especiales, sonando en películas como:

  • 50 Primeras Citas
  • Descubriendo a Forrester
  • ¿Conoces a Joe Black?
  • Tienes un e-mail
  • Madagascar

Y en incontables bodas, funerales, homenajes y comerciales. Porque su interpretación trasciende idiomas y culturas, como un susurro del alma de Hawái al oído del mundo.

Más que un Cantante: Un Símbolo de Resistencia

Pero Israel no solo era un músico excepcional. Fue también un activista comprometido con la independencia de Hawái y con la defensa de su identidad cultural. Este activismo generó tensiones con las autoridades estadounidenses, lo que limitó su exposición en los medios norteamericanos. Aun así, su música cruzó fronteras por su valor artístico y emocional.

Su imponente figura, que llegó a pesar más de 340 kilos debido a un trastorno metabólico, nunca le impidió transmitir un mensaje de esperanza y ternura. Su apodo, el Gigante Gentil, no era casual: su grandeza no estaba en el cuerpo, sino en el alma.

El Adiós Más Emotivo de la Historia de Hawái

El 26 de junio de 1997, a los 38 años, Israel falleció debido a complicaciones cardíacas. Su muerte conmocionó a todo el archipiélago.

Fue velado en el Capitolio del Estado en Honolulú, una distinción reservada solo para los más grandes héroes de Hawái. Su ceremonia de despedida fue algo nunca antes visto: su ataúd fue colocado sobre una balsa tradicional, empujada mar adentro mientras más de 10.000 personas lo acompañaban nadando, remando o desde la orilla, cantando sus canciones.

El océano lo recibió como lo que era: un hijo eterno de la isla.

El Legado de Israel Kamakawiwo'ole

Hoy, Israel Kamakawiwo'ole sigue vivo en cada nota de su música. Su voz aparece cuando más se necesita paz. Su ukelele resuena cuando el mundo necesita esperanza. Y su historia nos recuerda que un artista puede ser también un faro para su pueblo.

Escuchar a IZ no es solo disfrutar de una canción, es conectar con el espíritu de un paraíso que aún canta.

lunes, 19 de mayo de 2025

Freddie Mercury: El Estudio Científico que Revela Por Qué Fue el Mejor Cantante de Todos los Tiempos

La voz de Freddie Mercury ha fascinado a millones de personas en todo el mundo durante décadas. Conocido como el líder icónico de Queen, su capacidad para emocionar y su energía en el escenario fueron incomparables. Pero, más allá del carisma y la interpretación, la ciencia ha confirmado lo que muchos ya sospechaban: Freddie Mercury tenía una voz única, científicamente superior.

En este artículo, exploramos los hallazgos detrás de un estudio que analizó su voz desde una perspectiva acústica. Además, te explicamos qué hacía especial su técnica vocal y qué pueden aprender cantantes, aficionados al karaoke y amantes de la música de su estilo inigualable.

Freddie Mercury: El Estudio Científico que Revela Por Qué Fue el Mejor Cantante de Todos los Tiempos

¿Qué descubrió la ciencia sobre la voz de Freddie Mercury?

Un grupo de científicos europeos decidió investigar por qué la voz de Freddie Mercury resultaba tan poderosa, emocionante y técnicamente impresionante. Utilizando tecnología de análisis acústico y software de modelado vocal, examinaron grabaciones de sus canciones, entrevistas y registros vocales. Los resultados fueron sorprendentes.

1. Rango vocal de 37 semitonos

Freddie Mercury era capaz de cantar desde F#2 hasta G5, lo que representa un rango vocal impresionante que abarca más de tres octavas. Este rango es comparable al de cantantes de ópera profesional, y muy superior al de la mayoría de los cantantes de rock.

2. Vibrato fuera de lo común

Uno de los aspectos más destacados fue la velocidad de su vibrato. Mientras que la mayoría de los cantantes tienen un vibrato que oscila entre 5.4 y 6.9 Hz, el de Mercury alcanzaba los 7.04 Hz. Esta vibración más rápida aportaba una energía única a su voz, haciéndola más dinámica y emocionante.

3. Producción de sonidos subarmónicos

Lo más sorprendente del estudio fue descubrir que Mercury era capaz de generar subarmónicos, un fenómeno extremadamente raro que implica la vibración no solo de las cuerdas vocales normales, sino también de los pliegues ventriculares, una parte poco utilizada del aparato vocal humano. Esta habilidad le permitía crear una riqueza armónica y profundidad que no es común ni siquiera entre los cantantes más entrenados.

¿Qué hacía única su técnica vocal?

A diferencia de muchos cantantes que se especializan en un solo estilo, Mercury dominaba múltiples técnicas. Era capaz de pasar de un tono suave y melódico a una explosión de potencia rockera en cuestión de segundos. Esta versatilidad le permitía adaptarse a diferentes géneros y emociones, llevando al oyente a un viaje emocional a lo largo de cada canción.

Su voz no solo era potente, sino también profundamente expresiva. Mercury modulaba el tono, el volumen y el color vocal con una precisión que pocos han logrado. Esto se traducía en interpretaciones memorables que hoy siguen emocionando a nuevas generaciones.

¿Qué podemos aprender de Freddie Mercury si amamos cantar o hacemos karaoke?

Si bien es difícil (si no imposible) igualar el talento natural de Freddie Mercury, hay muchas lecciones valiosas que cualquier cantante —profesional o amateur— puede aprender, aquí hay algunos consejos para cantar mejor en el karaoke:

1. Trabaja tu rango vocal

Explorar y expandir tu rango vocal te permitirá interpretar una mayor variedad de canciones. Practica escalas diariamente y prueba notas graves y agudas sin forzar tu voz.

2. Domina el vibrato

El vibrato no debe ser forzado. Aprende a controlarlo con ejercicios de respiración y entonación. Puedes empezar con notas largas sostenidas y variar la frecuencia poco a poco.

3. Cuida la modulación y la dinámica

Cantar bien no es solo alcanzar notas altas. Saber cuándo cantar suave, cuándo aumentar la intensidad y cómo variar el color de tu voz hace que una interpretación cobre vida.

4. Grábate y analiza tu voz

Así como los científicos estudiaron la voz de Mercury, tú también puedes grabarte para identificar qué aspectos mejorar. Escucha con atención: ¿cómo suena tu vibrato? ¿Tu entonación es precisa? ¿Transmites emoción?

5. Interpreta, no solo cantes

Freddie no solo cantaba, interpretaba. Sentía cada palabra. En karaoke o en el escenario, conecta con la letra. Una interpretación emocional vale más que una nota perfecta.

Curiosidades adicionales sobre su voz

Aunque muchos creían que era tenor, estudios sugieren que su voz hablada era de barítono. Sin embargo, cantaba como tenor, ¡otra muestra de su dominio vocal!

En algunas canciones como Bohemian Rhapsody o Somebody to Love, grabó múltiples pistas vocales para crear armonías complejas, anticipando técnicas que hoy se logran digitalmente.

Pese a su talento, nunca recibió formación formal en canto, lo que hace aún más asombrosa su técnica natural.

Freddie Mercury: El Estudio Científico que Revela Por Qué Fue el Mejor Cantante de Todos los Tiempos

¿Freddie Mercury es el mejor cantante de la historia?

No existe una única respuesta, pero los datos científicos le dan una gran ventaja. Su rango vocal, técnica de vibrato y capacidad para producir subarmónicos lo colocan en un nivel casi mítico. Más allá de los números, Mercury dejó un legado emocional, musical y técnico que sigue influyendo en artistas de todo el mundo.

Y si tú estás comenzando en el mundo del canto o del karaoke, ten presente una cosa: no se trata de imitar a Freddie Mercury, sino de descubrir tu propia voz y aprender de los mejores.

viernes, 18 de agosto de 2023

QEPD Chico Novarro

En un pueblito ucraniano nació en 1898 Alberto Mitnik y se hizo zapatero.

La Primera Guerra Mundial lo obligó a alistarse al Ejército ruso, pero desertó y fue prisionero en Alemania.

Cuando la guerra terminó, Alberto volvió a su pueblo pero no encontró a ningún familiar vivo.

Comenzó a viajar y en Rumania conoció a Rosa Lerman, juntos en 1923 decidieron emigrar a Argentina y se radicaron en Santa Fe.

En 1933 nació su quinto hijo al que llamaron Bernardo Mitnik.

A Los pocos años y por razones de salud, la familia se muda a Dean Funes en la Provincia de Córdoba.

Bernardo de chiquito mostró su pasión por la música, el canto y la batería.

Su debut fue en 1950, junto a su hermano Sam, ocurre en Capilla del Monte con un arreglo de “Rock around the clock”, en los comienzos del rock.

Años más tardes viaja un par de veces a Buenos Aires para buscar mayor suerte en su afán de vivir de la música, lo que consigue recién en 1963 incorporándose al Club del Clan.

Por entonces decide cambiar su nombre artístico de Micky Lerman como se hacía llamar a, “Chico Novarro”.

El nombre artístico provino de un dúo tropical que integró en 1961 que se llamó “Los Novarro” uno de los integrantes era Largo y el otro Chico.

Desde entonces este gran hacedor de canciones nos ha dejado una obra colosal: Carta de un león a otro, Debut y despedida, El camaleón, Un sombrero de paja, Nuestro balance, El último round, El último acto, Algo contigo, Cuenta conmigo y muchos más.

El tema de su autoría que más me gusta es sin dudas uno romántico que escribió y presentó en 1992 en la TV, haciendo dúo con Silvana Di Lorenzo y que tituló: ” Arráncame la vida” .

En esta composición pone el acento en lo más doloroso que podemos sufrir los humanos al cabo de una vida, y que no es otra cosa que sufrir el olvido de los seres que amamos.

“Arráncame la vida de un tirón,

que el corazón ya te lo he dado,

apaga uno por uno sus latidos,

pero no me lleves al camino del olvido."

Viernes 18 de Agosto 2023, "Chico" partió de gira y ya no volveremos a verlo, pero seguramente nunca lo llevaremos al camino del olvido.

Con mucha tristeza. QEPD Chico Novarro.

QEPD Chico Novarro

lunes, 24 de mayo de 2021

80 años del nacimiento de Bob Dylan

karaoke

Hoy en nuestro blog de Todo Karaoke, celebramos que hace 80 años, nacía el célebre cantautor y Premio Nobel de Literatura, Bob Dylan.
El 24 de mayo de 1941, nació el músico estadounidense Bob Dylan, compositor, cantante, poeta y Premio Nobel de Literatura, célebremente reconocido como uno de los artistas más prolíficos e influyentes de los últimos tiempos.
Registrado al nacer como Robert Allen Zimmerman, Dylan creció en el seno de una familia judía de Duluth, Minnesota, donde comenzó a escribir poemas desde temprana edad, al tiempo que aprendía a tocar la guitarra y el piano.
Mientras cursaba estudios universitarios en Minnesota, empezó a trabajar como cantante en algunos bares y restaurantes, ejecutando sus propias canciones mezcladas con algunos temas de sus ídolos, solo con su guitarra y su armónica.
Por entonces comenzó a darse a conocer como Bob Dylan, en homenaje al poeta irlandés Dylan Thomas. Trabajando con Albert Grossman como manager, produjo su primer disco, que salió a la venta en febrero de 1962, con el nombre de Bob Dylan.
En 1963, publicó The Freewheelin Bob Dylan, su primer disco larga duración, compuesto exclusivamente con canciones propias, entre las que se incluye el primer éxito de su carrera, Blowin' in the Wind.
Ya transformado en el mayor exponente de la canción folk, durante la segunda mitad de la década de 1960, se convirtió en un importante líder social. El 29 de julio de 1966 sufrió un accidente de moto que lo obligó a retirarse de la vida pública durante un tiempo.
En 2001 recibió un Oscar a la Mejor Canción Original por su tema Things Have Changed para la película Wonder Boys (2000). El 13 de junio de 2007, fue distinguido en España con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 2016 fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura.

domingo, 6 de septiembre de 2020

A 13 años del fallecimiento de Luciano Pavarotti

A 13 años del fallecimiento de Luciano Pavarotti compartimos un video a modo de homenaje de una de las voces más icónicas del mundo. Los fanáticos de la música de todo el mundo y los cantantes aún extrañan esa voz tan particular.

A 13 años del fallecimiento de Luciano Pavarotti

todo karaoke

El 6 de septiembre de hace 13 años, fallecía el tenor italiano Luciano Pavarotti, el cantante lírico más popular de la segunda mitad del siglo XX.

El 6 de septiembre de 2007, en Módena, Pavarotti falleció a los 71 años de edad, después de luchar contra un cáncer de páncreas. Había nacido en la misma región, el 12 de octubre de 1935, en el seno de una familia que incentivó su pasión por el canto lírico.

Comenzó a cantar en el coro del Teatro de la Comunna, en Módena, y en la Coral Gioacchino Rossini, hasta que decidió estudiar con Arrigo Polo y Ettore Campogalliani. Antes de ser un profesional, se graduó en Magisterio y dio clases durante doce años.

Debutó oficialmente en el Teatro Reggio Emilia, en abril de 1961, cuando encarnó a Rodolfo de La bohème, de Puccini. Fuera de su país, lo hizo en Dublín, con el duque de Mantua de Rigoletto.

Hacia 1966, consolidó su fama internacional en el Teatro Covent Garden de Londres, donde fue nombrado rey de la octava do y rey del do agudo. Seis años después, revalidó su prestigio en la Metropolitan Opera House de Nueva York, con La fille du régiment, de Donizetti.

Ganó el renombre de uno de los más grandes tenores y el mejor pago de la historia, con interpretaciones tales como Nemorino, en El elixir de amor, de Donizetti; Radamés en la ópera Aída, de Verdi; o el príncipe Calaf, en Turandot, de Puccini.

Luciano Pavarotti ostenta hoy un título en el Libro Guinness de los Récords, por haber sido destinatario de una ovación cerrada, en 1988, que duró una hora y siete minutos, tributada por la Opera de Berlín.

Video : Nessun Dorma - Luciano Pavarotti

jueves, 30 de enero de 2020

Donna Summer

Cantante y compositora musical afroamericana, Donna Summer es mundialmente famosa por sus éxitos de géneros disco y pop en los años 70 y 80. Entre sus canciones más recordadas se cuentan Love To Love You Baby, Hot Stuff, I Feel Love, On the Radio, She works hard for the money y Last Dance, por la que ganó un Óscar y un Globo de Oro a mejor canción, pues apareció en la película Thank God It's Friday (1978).

Dotada de una poderosa voz de mezzosoprano Donna Summer ganó cinco premios Grammy y once de sus álbumes lograron la certificación de Oro por ventas en EEUU. A lo largo de su carrera vendió más de 130 millones de discos alrededor del mundo. No sólo marcó una época, también ha inspirado a múltiples estrellas posteriores como Beyoncé o Madonna.

LaDonna Adrian Gaines nació el 31 de diciembre de 1948 en un suburbio de Boston, en una familia cristiana. Al igual que muchas otras estrellas afroamericanas, su carrera como solista arrancó en la oración dominical. Pero enseguida creó un grupo con una prima y una tía imitando a las Supremes.

A finales de los 60, se enamoró de la voz de Janis Joplin y se enroló en una banda psicodélica con el objetivo de mudarse a Nueva York. La banda se desintegró enseguida.

A los 18 años de edad, participó en una audición en un musical de Broadway llamado “Hair”, y logró formar parte del elenco. El espectáculo se mudó por un tiempo a Alemania y al terminar la obra, Donna se estableció como residente en Múnich, donde aprendió a hablar alemán con fluidez e interpretó papeles cada vez más importantes en musicales y operetas.

En 1972 contrajo matrimonio con el actor austriaco Helmuth Sommer, de quien tomó el apellido como nombre artístico. Se divorciaron cuando Donna se enamoró del artista alemán Peter Mühldorfer, con quien se mudó a Los Ángeles, pero la relación tampoco funcionó. La cantante conoció en 1978 a su esposo Bruce Sudano, que por entonces era miembro del grupo Brooklyn Dreams, se casaron en julio de 1980 y tuvieron dos hijas.

Diferentes aspectos de su vida la sumieron en profundas depresiones que la llevaron a varios intentos de suicidio. En una ocasión, trató de arrojarse por la ventana de un hotel en Central Park, Nueva York, pero en el intento se enredó en una cortina y pudo ser rescatada por una de las empleadas. Superó esa depresión gracias a una súbita conversión al cristianismo militante a finales de los años 70. La fe le ayudó a atenuar sus adicciones.

Donna Summer detenta el récord de álbumes dobles consecutivos en el tope del ranking Billboard con tres, y es la primera mujer con cuatro sencillos ubicados en la primera posición en un periodo de 12 meses, tres sola y uno con Barbra Streisand.

El icono de la pista de baile y reina del disco murió a los 63 años de edad rodeada por su familia en Naples, Florida, luego de una larga y privada batalla contra el cáncer. Donna Summer podría haber contraído la enfermedad que la llevó a la muerte, al respirar partículas cancerígenas en las jornadas que siguieron al 11 de septiembre de 2001. Los atentados tuvieron un fuerte impacto en la cantante, que confesó haber sufrido entonces una fuerte depresión. "Me espantaron las experiencias terribles de ese día", contó después, "no podía salir a la calle y no quería hablar con nadie. Dejaba las persianas bajadas y me quedaba en mi habitación. Al final volví a ir a la iglesia y la luz volvió a mi alma".

Donna Summer

OTROS DATOS DE DONNA SUMMER

* David Bowie cuenta que, un día de 1977 en Berlín, el compositor de música electrónica Brian Eno llegó corriendo y le dijo "acabo de oir el sonido del futuro. Esta canción va a cambiar la música de los clubes durante los próximos 15 años". Era I Feel Love de Donna Summer, recuerda Bowie.

* En una ocasión, la revista Rolling Stone aseguró que Summer consiguió crear un nuevo estilo internacional de música pop con su mezcla de R&B, pop, soul y rock. Su álbum Crayons, que salió a la venta en mayo de 2008, contaba entre sus títulos con The Queen Is Back.

Lista de Artistas

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